艺术家所创造的世界是收摄，是凝结，以微景而囊众景，以一气通大千。
融物—诗意的心灵
艺术总是伴随着心灵的成长而划下美丽的印痕，无需刻意经营，也无需着意修饰，是缠绕在心田的藤蔓，是生长在心间的兰花，在思想之水的浸润下蓬勃生长，灿烂花开！
画家要有诗意的眼光，才能“与物相宜”，同样还要有诗意的心灵，才能“寓情于物”。把眼中所见，与物对应，心灵所感，应物生情。色彩以随类赋彩为立象语义，而在随类赋彩中感悟诗意的心灵，赋以万物灵性的色彩。“随”的意义在中国美学观念与创作实践中却是可以物物互换、心性互换的。既以随物之类，赋物体之原色，亦可随心识之类，赋心象之颜色，物体之颜色是客观物化的世界之原本，而心象之颜色却是带有画家感情与思想色彩的意象颜色，因而可指涉为中国工笔画的颜色既可以表现世界万物之本真，亦可表现万物因人之感而生而动之情感色彩。
这种色彩观自然是从中国传统文化思想中游离出来的心性所致。六朝时玄学家们畅言：“自然之理，有寄物而通也。”（郭象《庄子·外物注》）宗炳的“以形写形”就是要再现“自然之理”而见其道。道又是常而不变的，“法”却是可变而且常变的，所以后人说“法无定法”。“至人无法”之说，其实我们现在看来是有道理的，“法”是人们对事物的一种常理的认识和规定，它会随着人们认识的不断深入和不同而有所改变和调整，那么“法”在某种程度上就具有可变性。从这个道理上来说，“法无定法”是善于思考的画家和理论家提出的一个非常具有探索性的问题。而在画家的眼中、胸中、笔下，绘画所表达的是畅形、畅神、畅意……是以诗意的眼光、诗意的心灵抒发诗意的感悟，挥洒诗意的热情！即使是理性的归纳和总结，同样也具有活泼的诗意之性，并以此作为绘画的精神介质。王国维先生曾经在《人间词话》中说过这样一段话：“诗人对宇宙人生，须入乎其内，又须出乎其外。入乎其内，故能写之。出乎其外，故能观之。入乎其内，故有生气。出乎其外，故有髙致。”这段话的意思是诗人对于宇宙人生，必须能够进入其中，又必须能够跳出其外。进入其中，所以能够描写；出乎其外，所以能够观察。进入其中所以才会有生气。出乎其外，所以才会有高致。诗人写诗与绘画同源，这也正像我们画人物画一样，对于生活中人的千姿百态，种种性状，只有深入了解，细心体察，以心灵在场的方式接通生命的本真，才能掌握所描绘的对象生动而微妙的千变万化。而要把这种生动的形象赋予作品人文的内涵，自然是指切身感受、观察入微还是不够的，还要细心地体会，站在观赏者的角度品味其中的奥妙。正如朱光潜先生所说：“艺术家在写切身的情感时，都不能同时在这情感中过活，必须把它加以客观化，必定由站在主观的受偿者退为站在客观的欣赏者。”人世的千姿百态若浮云掠空，作为画家的选择只取那最洁白动人的一片云……
对于外在世界来说，艺术家所创造的世界是收摄，是凝结，以微景而囊众景，以一气通大千。对于鉴赏者来说，艺术世界又是一个渐次打开的世界，将你心灵中的烟云风暴推出，你的记忆、想象，你的生命体验，都在这艺术的空间中缱绻。艺术家的创造就是表现这样的生命之象，你来观，你便加入这样的世界，你加入了这世界的气场，你与这世界便交汇、流荡起来。所以对于中国绘画艺术来说，既随物以婉转，亦于心而徘徊，是整体生命的跌宕浮沉。艺术家在这跌宕浮沉中观照自然万物，观照生命情态，诗意的心灵与世界相映照，捕捉感动心灵的瞬间，演化为隽永流芳的色彩真境。唯其如此，色彩的绚烂才能归璞于真，色性天然；绘画的感染才可以历久弥新，探无止境！
清尊素影之二80cm×50cm2012年
清尊素影之三70cm×35cm2013年
清尊素影之五80cm×50cm2013年
清尊素影之六80cm×50cm2013年
清尊素影之七70cm×35cm2014年
清尊素影之九81cm×51cm2015年
清尊素影之十一70cm×35cm2015年
清尊素影之十二70cm×35cm2015年
清尊素影之十三80cm×50cm2015年
天使之翼之二80cm×50cm2015年
无语的心情之四140cm×70cm2014年
游观·自在70cm×35cm2014年